Интерьер. Русская живопись и графика

Альбом посвящен интерьеру в русской живописи. В него вошли и работы основоположников направления Г. Сороки, А. Венецианова, и работы малоизвестных авторов, например М. Илинской, которые нам кажутся наивными, и работы таких мастеров интерьерной живописи, как С. Жуковский, Л. Премацци, С. Виноградов. Благодаря этому альбому вы узнаете, как выглядели гостиные и спальни, диванные и залы, детские и кабинеты в домах XIX – начала XX века, а также какими предметами украшали свой интерьер жители предыдущих столетий. В нем многогранно представлен «портрет помещений», дополненный цитатами из русской классики. Этот альбом будет интересен всем, кто интересуется живописью русских художников, а также бытом русского дворянства начала XIX – первой половины XX века.
Интерьер стал темой картин русских художников в 20–30-х годах ХIХ века. В дальнейшем, по мере роста в обществе интереса к индивидуальному миру человека, он стал занимать в русской живописи все более заметное место. Пионерами в этой области можно назвать А.Г. Венецианова и художников его школы: К.А. Зеленцова, Г.В. Сороку и А.В. Тыранова, поместивших своих героев в обстановку повседневной жизни.
Основным типом жилья русского дворянства, а затем и купечества был особняк, который делился на парадную и жилую половину. Парадная половина, как правило, располагалась на бельэтаже, выходила на главный фасад и была организована по анфиладному принципу, комнаты делались проходными, все двери располагались по одной прямой. На стене последней комнаты нередко помещали большое зеркало, чтобы создать впечатление бесконечности. Жилые комнаты выходили окнами во двор или находились на третьем этаже. По такому принципу построены все петербургские дворцы, включая Зимний, и дворцы вельмож по всей России.
В одноэтажных особняках все было скромнее, но анфилады и деление на половины сохранялось неукоснительно. Парадная половина включала минимум три комнаты: гостиную, зал и диванную. В более богатых домах могло быть несколько гостиных и парадная спальня с кроватью под балдахином, на которой никогда не спали. Передняя часть спальни служила приемной хозяйки дома. Зал мог быть двусветным с колоннами искусственного мрамора и хорами для музыкантов. Мебель стояла вдоль стен, оставляя большие свободные пространства в центре помещений. Столовая не всегда была стационарной, столы для парадных обедов порой ставили в одной из гостиных. На картинах, представленных в альбоме, мы часто видим анфиладное расположение комнат.
Примерно с 1860 года разделение дома на парадную и жилую половину начинает исчезать. Основным во второй половине ХIХ века становится жилой интерьер. Внимание переносится с репрезентативно-парадного впечатления от дома на комфорт обитающих в нем. Комнаты заполняют все большим количеством мебели разного назначения, ее размещение диктуется желанием создать обстановку «семейного уюта» для замкнутой жизни семьи. Анфилады уступают место планировке комнат вокруг одного или нескольких центральных помещений. На смену дворянскому особняку все больше приходит буржуазный.
С точки зрения художественного оформления интерьера ХIХ век унаследовал от ХVIII века стиль, который при Людовике ХV получил название классицизм, а при Наполеоне – ампир, от французского «empire» – империя. Новый стиль, основанный на применении архитектурных ордеров, изучении античных образцов и стремлении подражать быту древних римлян и греков, пришел на смену пышному барокко и грациозно-вычурному рококо.
Пример ампирного интерьера больших залов в домах аристократов можно видеть на картине Н.Г. Чернецова (1804–1879) «Внутренний вид дома Д.Л. Нарышкина во время заседания Общества поощрения художников». Колонны в интерьере мы видим и на акварели К.И. Кольмана (1786–1847) «Застекленная веранда в особняке Юсуповых», и на полотне А.Г. Венецианова (1780–1847) «Портрет князя В.П. Кочубея в его кабинете». Иногда колоннами вместо перегородок отделяли парадные помещения друг от друга, как на картине К.А. Зеленцова (1790– 1845) «Гостиная в городском доме» и акварели К.П. Брюллова (1799–1852) «Интерьер. Портрет семьи князя Гагарина». Но в большинстве случаев обходились без колонн и пилястр, ограничившись карнизами на стенах, легкой росписью потолка и архитектурными деталями в стиле классики на каминах, печах и в обрамлении напольных зеркал. Обязательным было гармоничное сочетание всех элементов – цвета стен, штор и обивки мебели. Стены красили в чистые цвета, а комнаты чередовали по цвету. Использовались и бумажные обои, гладкие или полосатые.
Важное место в оформлении комнат занимали картины, ими украшали парадные комнаты в течение всего ХIХ века. Сначала это были только портреты, но затем стали появляться пейзажи, большей частью итальянские.
В интерьерах ампира царит покой, уравновешенность частей, строгая симметрия и холодная торжественность. Мебель расставлена в строго продуманном порядке. В ее оформлении широко применяются античные мотивы: сфинксы, грифоны, кариатиды, лиры, львиные лапы и т. д. Даже саму мебель порой копировали с изображений на греческих вазах. Камины, комоды и симметрично стоящие тумбы украшают аллегорические фигуры и фигурки, бюсты и декоративные вазы.
Примеры ампирного интерьера представлены на картинах Ф.П. Толстого (1783–1873), А.В. Тыранова (1808–1859), И.Ф. Хруцкого (1810–1885) и других.
Общепризнанно, что особенно красивой и своеобразной была мебель русского ампира, отличающаяся тонкостью вкуса и сочной декоративностью. Техника фанеровки доведена до совершенства, гладкие, отполированные до блеска поверхности декорированы бронзовыми накладками, детали резного декора (львиные маски, сфинксы и пр.) сияют золотом. Для изготовления мебели применяли красное и черное дерево, а также карельскую березу и тополь, в дальнейшем – орех. Крупнейшие мебельные мастера Петербурга – Г. Гамбс, И. Бауман, В. Бобков, Ф. Гроссе и другие часто работали по рисункам выдающихся зодчих: К.И. Росси, В.П. Стасова, А.Н. Воронихина и их последователей. Кресла, купленные у Гамбса, было даже принято преподносить в подарок на новоселье или именины.
Расцвет ампира приходится на двадцатые годы ХIХ столетия. Затем наступает период романтизма, связанный с увлечением общества романами Вальтера Скотта. В моду входит готика. Появляются готические кабинеты и гостиные, но в большинстве случаев готические мотивы используются только как украшение отдельных предметов мебели: ширм, шкафов, столов и стульев.
Целостность стиля оформления нарушается. Например, на картине А.Я. Волоскова (1822–1882) «За чайным столом» хозяйка сидит на готическом кресле, а гости на креслах в стиле Людовика ХIV, столик и обрамление зеркала выполнены в стиле классицизма, а окно с цветным витражом снова отсылает к готике.
Вообще с 1840-х годов начинается быстрый распад единого стиля в интерьере. Растет стремление к показной роскоши и уюту, что приводит к загромождению комнат вещами, тяжелыми портьерами, жардиньерками с декоративной зеленью и пр. Интерьер из архитектурного превращается в «вещевой».
Среди обилия эклектичных стилей одно время имеет большой успех стиль «второго рококо» или «во вкусе Помпадур». Снова повсюду волнистые линии контуров, все выпукло, выгнуто, закруглено и чрезмерно, как можно видеть на картине неизвестного художника (с. 118–119).
Модная обивка ореховой мебели и стен пестрым шелковым штофом, сшивные ковры с крупным рисунком делают интерьер все более красочным. Появляются новые формы диванов и кресел: угловые, круглые, двусторонние – «эсы», «тетатеты», «десадосы». Вместе с обилием фарфора, бронзы и хрусталя, люстрами, канделябрами, декоративными вазами это превращает комнату в подобие драгоценной шкатулки. Некоторое представление о таком интерьере передают акварели гостиных работы Л.О. Премацци (1814–1891) и картина Н.И. Тихобразова (1818–1874) «Интерьер в Петербурге». В конце века успехи мебельной промышленности позволяют заказать обстановку любого стиля, начиная от всех Людовиков и Генрихов, до русского, появившегося тогда.
В книге представлены работы художников разных направлений и дарований. Для одних тема интерьера была почти случайной, для других, как, например, у С.Ю. Жуковского (1873–1944), занимала значительную часть творчества. Жуковский был настоящим поэтом интерьера. Игра света и цвета в комнатах, природа, заглядывающая в окна, настроение, пронизывающее каждый уголок жилья, – все вдохновляло его на новые произведения.
Интерьеры К.А. Коровина (1861–1939), прекрасного колориста и тоже, конечно, поэта в живописи, можно назвать образным воплощением радости жизни.
В целом все работы, собранные в данной книге, представляют несомненную ценность. Кроме эстетической составляющей, эти картины – ценный документ эпохи. В них мы часто видим фигуры обитателей и свидетельства их занятий: рояли, чубуки, оружие на стенах, письменные и туалетные принадлежности и пр. Эпоха оживает и говорит с нами.